第一章绪论
音乐技括节奏、节拍、旋律、调或调性、和声、复调、配器、曲式等，通过作曲者在曲式结构、主题材料的使用，陈述方法、调性安排的发展行径等多方面的整体构思与布局形成了一部优秀的音乐作品，关于这些知识作者将在后面的章节行论述。除此以外，作者还括“十二音序列…‘自由无调性”等现代音乐创作手法以及20世纪以来的音乐创作观行了分析。
本章主要论述如何提高音乐创作质量、如何克服思维模式、掌握和了解创作技法实施的三个原则。
音乐也是一种语言，只是它诉诸音响，而学会方式应当以对音响的聆听为。同理，理解音乐语言的最终方式，还是要落实在对于音响的内心感受和笔头创作上。但是对于如何提高创作质量，笔者认为，主要在于两个方面：传授者、接受者。
传授者主要指教师。英国学者布伦戴尔在其著作《作曲》一书中，有这么一句话：“作曲的教学是一种容易引起争议的事物。在音乐的专业人士当中()持有两种很强烈的意见：一种说法是，‘作曲是不能教的’；另一种说法是。‘作曲不应当是教出来的’。”布伦戴尔的观点并不是忽视、否定作曲教学活动中体地位，也不是否定作曲教学的根本意义，而是强调个性化的思维。因为作曲毕竟属于“创作”，在显性上，作曲技法传授确实能为“创作”带来一定的效果。但是隐性上，“创作”则存在于潜在的个性化过程，而且许多音响的艺术想象、作品审美取向、创作中的好恶品格都会因为创作者的成长环境、受教育程度、社会阅历等多种客观因素形成，这些都是别人无法“教”出来的。其次，教师应该具有挖掘不同素质学生潜质的能力，能启发学生的创作激情，提高学生举一反三的能力．从而使学生创作出不同创作风格与格调的音乐。
创作者在创作质量上应该遵循以下几个方面：
(pan style="font-family:宋体">主题的立意与特点。主要集中在两个方面：写作怎样格调的音响：主题发展(节奏节拍、旋律线条、调式调性、和声语言、织体层次等方面)。
(2)作品的生活基础。创作者应该多积累创作素材，如生活感受、社会经历、文化理解、音响想象等方面；创作者还应对这些素行思考，培养对生活中各类事物的兴趣。
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